Повна версія

Головна arrow Історія arrow Історія вітчизняного мистецтва. Від Хрещення Русі до початку третього тисячоліття

  • Увеличить шрифт
  • Уменьшить шрифт


<<   ЗМІСТ   >>

Образотворче мистецтво

Ні в якому іншому виді мистецтва, як в живопису, не позначилися з такою ясністю всі суперечності бурхливого XVII століття. Саме в живописі процес обмирщения мистецтва йшов особливо активно. Рубіж XVI-XVII ст. ознаменований в образотворчому мистецтві наявністю двох різних художніх напрямків:

  • 1) так званої годуновской школи (більшість творів було виконано за замовленням Бориса Годунова). Художники цього напрямку прагнули слідувати монументальним образам Андрія Рубльова і Діонісія, але, по суті, воно було архаїчним і еклектичним;
  • 2) строгановской школи, умовно названої так тому, що деякі ікони виконувались на замовлення іменитих людей Строганових (Строгонової - як писали їх прізвище спочатку) для будинкових церков, молелен в Солікамську, на Соловецьких островах, в Усолье і інш. До цієї школи належали не тільки строгановские Сольвичегодськ іконописці, а й московські, царські і патріарші майстра. Кращі з них - Прокопій Чирин, Знемога, Никифор та Назарій Савіни та ін.

Строгановская ікона - невелика за розміром. Це не стільки благання образ, скільки дорогоцінна мініатюра, розрахована на цінителя мистецтва (недарма вона вже передплатна, чи не анонімна). Для неї характерні ретельне, дуже дрібне лист, витонченість малюнка, багатство орнаментації, велика кількість золота і срібла. Типове твір строгановской школи - ікона Прокопія Чирина "Микита Воїн" (1 593, ГТГ). Його постать тендітна, позбавлена мужності святих воїнів домонгольської пори або часу раннемосковского мистецтва (згадаймо "Бориса і Гліба" з ГТГ), поза манірно, ноги і руки нарочито слабкі, наряд підкреслено вишуканий. Майстрам строгановской школи вдавалося передати глибоко ліричний настрій поетичного, казкового пейзажу із золотою листям дерев і сріблястими, тонко промальованими річками (Прокопій

Чирин. "Іоанн Предтеча в пустелі", ГТГ). Створена скоріше для колекціонерів, знавців, любителів, ікона строгановской школи залишилася в російській иконописании як зразок високого професіоналізму, артистичності, витонченості мови. Разом з тим вона свідчила про поступове вмирання монументального моління образу.

Розкол у церкві XVII ст. дедалі більше набирав соціальний характер, впливав і на культурне життя. Спори розкольників з офіційною релігією вилилися в боротьбу двох різних естетичних поглядів. На чолі нового руху, який проголошує ті завдання живопису, які вели, але суті, до розриву з давньоруської іконописною традицією, стояв царський ізограф, теоретик мистецтва Симон Федорович Ушаков (1626-1686). Він виклав свої погляди в трактаті, присвяченому його другові Йосипу Володимирового, - "Слово до люботщательному іконного писання" (1667). У традиційне уявлення про іконопису Ушаков вніс своє розуміння призначення ікони, виділяючи насамперед її художню, естетичну сторону. Найбільше Ушакова займали питання взаємини живопису з реальною натурою (ми б сказали - "відношення мистецтва до дійсності"). Для захисників ж старої традиції, очолюваних протопопом Аввакумом, релігійне мистецтво не мало ніякого зв'язку з дійсністю: ікона, вважали вони, - предмет культу, у ній все, навіть сама дошка, священне, а лики святих не можуть бути копією осіб простих смертних.

Симон Ушаков.  Трійця.  Санкт-Петербург, ГРМ.

Симон Ушаков. Трійця. Санкт-Петербург, ГРМ.

Прекрасний педагог, умілий організатор, один з головних живописців Збройової палати, Симон Ушаков був вірний своїм теоретичним висновків у власній практиці. Його улюблені теми - "Спас Нерукотворний" (ГРМ, ПТ, ГИМ), "Трійця" (ГРМ) поназивают, як художник прагнув позбутися умовних канонів іконописного зображення, що склалися в вікових традиціях. Він домагається тілесного тони осіб, майже класичної правильності рис, об'ємності побудови, підкресленою перспективи (прямо використовуючи іноді архітектурні фони італійського живопису Відродження). При композиційної схожості з рублевской "Трійцею" "Трійця" Ушакова (+1671) не має вже нічого з нею спільного в головному: в ній немає натхненності образів Рубльова; ангели виглядають цілком земними істотами, що вже саме по собі позбавлене сенсу, стіл з чашею - символ таїнства жертви, спокути - перетворився на справжній натюрморт.

У середині XVII ст. художнім центром Русі стає Збройова палата, на чолі якої був поставлений один з найосвіченіших людей свого часу боярин Б. М. Хитрово. Майстри Збройової палати розписували церкви і палати, поновлялись стару живопис, писали ікони та мініатюри, "Прапороносці" (тобто малювальники) створювали малюнки для ікон, хоругв, церковного шитва, ювелірних виробів. Звідси вийшов і так званий "Великий наряд" царя Михайла Федоровича і його сина Олексія Михайловича (1627-1628) - дорогоцінні ансамблі символів царської влади. Сюди стягувалися всі видатні художні сили Русі, тут працювали також і іноземні майстри, звідси йшли замовлення на виконання численних розписів, станкових і монументальних робіт в самих різних техніках.

Фресковий живопис XVII століть із застереженням може бути названа монументального (мається на увазі її "мову", а не призначення): розписували багато, але інакше, ніж раніше. Зображення подрібнені, з великими труднощами читаються на відстані. У фрескових циклах XVII в. відсутня тектоніка. Фрески покривають стіни, стовпи, наличники одним суцільним візерунком, в якому з вигадливими орнаментами переплітаються жанрові сценки. Орнамент покриває архітектуру, фігури людей, їх костюми, з орнаментальних ритмів виростають пейзажні фони. Декоративізм - одна з відмінних особливостей фрескового розпису XVII ст., Інша особливість - постійний інтерес до людини в його повсякденному житті, акцент в сюжетах Священного Писання на красі природи, праці людини, тобто життя у всьому її різноманітті. Ми не називаємо це якість живопису XVII в. "побутовізму" (як це часто робиться в роботах з мистецтва даного періоду). Чи не протокольна сумовита фіксація дрібниць побуту, а справжня стихія свята, постійна перемога над буденністю - ось що таке стінопису XVII сторіччя. Ярославські фрески артілі Гурія Нікітіна і Сили Савіна або Дмитра Григор'єва (Плеханова) - найяскравіший тому приклад.

Невідомий майстер.  М. В. Скопин-Шуйський.  Парсуна.  Москва, ПТ

Невідомий майстер. М. В. Скопин-Шуйський. Парсуна. Москва, ПТ

У XVII ст. Ярославль, багатий волзький місто, стає, як уже говорилося, одним з найцікавіших центрів не тільки бурхливої громадської, а й мистецького життя. Купці і багаті посадські люди будують і розписують церкви. Згадуваний раніше майстер із Збройової палати Гурій Нікітін, в 1679 р висунутий Симоном Ушаковим на звання "жалуваного" майстра, з великою артіллю розписав в 1681 р ярославську церква Іллі Пророка, Дмитро Григор'єв-Плеханов зі своєю артіллю - церква Іоанна Предтечі в Толчкове. Теми Священного Писання перетворюються на захоплюючі новели, їх релігійний зміст залишається, але здобуває інший, гострий відтінок; забарвлюється в оптимістичні кольори народного світовідчуття. Гравюри знаменитої Біблії Пискатора (Фішера), виданої в Голландії і послужила зразком для російських майстрів, лежать в основі багатьох фресок ярославських храмів, але передані вони в сильній переробці, як смисловий, так і стилістичної. Загальновідомий приклад зображення жнив у сцені зцілення отрока святим: з неприхованим захопленням стенопісец зображує, як женці в яскравих сорочках жнуть і в'яжуть у снопи жито на золотому хлібному полі. Майстер не забуває зобразити навіть волошки серед жита. Як правильно зазначив один з дослідників (В. А. Плугін), людина в розписах XVII в. рідко постає споглядальником, філософом, люди в живопису цього часу дуже діяльні, вони будують, воюють, торгують, орють, їздять у кареті і верхи; всі зчепи достатньо "багатолюдні" і "шумні". Це характерно як для московських церков (церква Трійці в Никитниках, розписана ще в 1650-і рр.), Так і для ростовських і особливо ярославських церков, що залишили чудові пам'ятники стінопису XVII в. Очевидно, що реальна дійсність, яка пізнається в образотворчих образах, перемагає алегоричну алегоричність і символізм живопису XVI - початку XVII ст.

Світські розпису більше відомі нам за свідченнями сучасників, наприклад розпис Коломенського палацу, казкова, як і весь його вигляд. "Восьмим чудом світу", вертоградом, тобто райським садом на землі, назвав його Симеон Полоцький. У цьому ж ряду знаходяться і дійшла до нас розпис Грановитої палати, виконана Симоном Ушаковим спільно з дяком Клементьєва.

Портретний жанр XVII в. стає передвісником мистецтва майбутньої епохи. Портрет - парсуна (від спотвореного латинського persona - особистість) народився на рубежі XVI-XVII ст. Зображення Івана IV з Копенгагенського національного музею, царя Федора Іоанновича (ГИМ), князя М. В. Скопина-Шуйського (ГТГ) за способом втілення ще близькі до ікони, але в них вже присутня певна портретна схожість. Є зміни і в мові зображення: так, при всій наївності форми, линеарности, статичності, локальності є нехай і боязка, але явна спроба світлотіньового моделювання. У середині XVII ст. деякі парсуни були виконані іноземними художниками. Припускають, що кисті голландця Вухтерса належить портрет патріарха Никона з кліром. Парсуни стольника В. Люткіна, Л. Наришкіна кінця XVII ст. вже можна назвати портретами.

Симон Ушаков.  Фронтиспис книги

Симон Ушаков. Фронтиспис книги "Історія про Варлаама і Іоасафа" Симеона Полоцького

У графіку цієї пори багато побутових сцен і портретів. Наприклад, в знаменитому Євангелії царя Федора Олексійовича (1678) міститься 1200 мініатюр. Це постаті рибалок, селян, сільські пейзажі. У рукописному "Титулярнику" ("Велика Державна книга", або "Корінь російських государів", 1672-1673; ЦДАДА, РЕ, РНБ) ми знаходимо зображення російських та іноземних володарів. Розвиток друкарства сприяє розквіту гравюри, спочатку на дереві, а потім на металі. Сам Симон Ушаков брав участь у гравіруванні "Повісті про Варлаама і Іоасафа" разом з гравером Збройової палати А. Трухменскім.

Декоративно-прикладне мистецтво і скульптура

Прагнення передати реальну земну красу і разом з тим казкова фантастика характерні для всіх видів художньої творчості XVII сторіччя. У Теремно палаці стіни, склепіння, стать, кахельні печі, посуд, тканини, костюми людей, - все покривав густий травний орнамент. Різьбленим орнаментом були прикрашені фасади, наличники вікон, ганку дерев'яного Коломенського палацу. Такий же рясної різьбленням (причому все більш горельефной) з позолотою прикрашалися іконостаси і царські врата в храмах. Любов до орнаментальному узорочью позначалася і в кам'яній різьбі. Позолота різьблення, поліхромія кахлів, червоний колір цегли створювали святково-декоративний архітектурний образ. Досконалості досягає мистецтво поливних кахлів, архітектурно-декоративної кераміки. Різні за формою, кольором і малюнку кахлі то візерунковим килимом суцільно покривали стіни (як у Крутицькому теремку), то грали роль вставок або прикрашали вікна по периметру (як у ярославських церквах Іоанна Златоуста або Миколи Мокрого). Виготовлення кахля нагадувало народну дерев'яну різьбу пряникових дощок, здавна знайому російським людям, а його колірне рішення - вишивку, набійку, лубок.

Помітні в XVII столітті і зміни в пластиці. Все більш наближається до круглої скульптури - зовсім, по суті, незнайомій російському мистецтву - рельєфна (горельефное) різьблення іконостасів. Прагнення до підкресленою об'ємності позначилося і на виробах з металу: карбованих золотих і срібних ризах ікон, різноманітних формах начиння, як церковної, так і світської. Любов до багатобарвному узорочью викликала новий розквіт мистецтва емалей, в якому особливо прославилися Сольвичегодськ і устюжскіе майстра. У Сольвичегодськ майстерень "іменитих людей Строгонової" розвивається "Усольський фініфтяного справа": усольской емаль відрізняє розпис рослинного орнаменту по світлому фону. У поволзьких містах було розвинене мистецтво набійки: з різьблених дерев'яних дощок друкується на полотнах барвистий візерунок.

У малюнку, украшающем шиття, очевидний відхід від живопису до ювелірного мистецтва: основний акцент зроблено на блиску золота і срібла ниток, блискотінні дорогоцінних каменів і перлів. Златошвейное справу досягає особливої тонкощі і досконалості в строгановской школі шиття в середині століття. Декоративним шиттям славилися златошвеі "Царициной майстерні палати". Але і в прикладних мистецтвах, де канони трималися довше за все, проявляється інтерес до життя; тут, як і в живописі, явно тяжіння до посиленої декоративності, орнаментації. Все свідчить про перемогу нових художніх смаків, нового світогляду, про насування переломі на рубежі двох століть.

Велике давньоруське мистецтво формувалося в найтіснішому зв'язку з релігією. Християнське православний світогляд породило особливі форми храмів і монастирських будівель, виробило певну систему і техніку монументального розпису та іконопису. Середньовічне мислення сформувало певні канони в мистецтві, ось чому в Стародавній Русі величезну роль грали зразки як в архітектурі, так і в живописі.

Давньоруська мистецтво природно розвивалося і змінювалося протягом більш ніж 800 років існування, але його форми і традиції не померли і не зникли безслідно з приходом Нового часу, їм стояла ще довге життя, хоча і в модифікованому вигляді, в мистецтві наступних століть.

 
<<   ЗМІСТ   >>