Повна версія

Головна arrow Культурологія arrow МИСТЕЦТВО ХХ СТОЛІТТЯ

  • Увеличить шрифт
  • Уменьшить шрифт


<<   ЗМІСТ   >>

ФІЛОСОФСТВУЮТЬ ВІДЛЮДНИКИ

Однак життєрадісність перших радянських майстрів соц-арту не завжди була заразлива для сучасників. З'являється в середовищі шестядісят- ників і напрямок, що нагадує західну метафізичну живопис 1920-1930-х років, яскравими представниками якої були Дж. Де

Кіріко, Дж. Моранді, К. Карра та ін. Серед близьких їм за характером радянських майстрів можна назвати Михайла Шварцмана (1926-1997 рр.), Володимира Вейсберга (1924-1985 рр.), Дмитра Красноіевцева (1925- 1995 рр.) . Починав в їх середовищі і майбутній концептуаліст Ілля Кабаков (р. 1933 г.).

З усіх названих майстрів Михайло Шварцман найбільшою мірою тяжів до абстракції. Він «програмно прагнув до заміни картини новою іконою, придумавши для неї назву" іература "(а для себе - звання" іерата "). Іератури Шварцмана діляться на "лицьові" (лики людей в момент їх зустрічі з вічністю) і - з кінця 1960-х років - абстрактні (але продовжують нагадувати якісь химерні готичні простору). Живопис Шварцмана очевидно пов'язана з традицією Філонова: його метою теж було подолання випадково-людського в нескінченних кристалах просторового світу картини » [1]. Іератури можуть мати назви, що відсилають до звичайного побутового оточення людини ( «Примула»), але при цьому самі зображення завжди належать світу позамежного. Сам Шварцман писав: «Я - іерат - той, через якого йде вселенський знакопоток [...]. Сходженням міріад знаків, жертовної зміною знайомих метаморфоз формую іературу. У іературе архітектопічно спресований містичний досвід людини [...]. Створюю невербальна мова третього тисячоліття [...]. Поки людина буде антропоморфіровать світ, він не зрозуміє світу. Іерат розглядає світ знаково, що не антропоморфіруя його, і таємниця світу мовчазно відкривається йому » [2] .

Таким чином, під своє мистецтво Шварцман підводив філософсько містичну базу, вважаючи, що завдяки творчим зусиллям «іерата» будь-яке поняття або явище може набути нову абстрактне тіло, перетворене шляхом «метаморфоз», в ході яких відпадає все випадкове і недовговічне і відкривається сама суть будь-якого поняття або явища. На думку С. І. Кускова, Шварцман «будить архетипическую пам'ять докартінних і дожівопісних витоків мистецтва» [3] , коли воно ще не перетворилося на відображення світу, але мислилося поєднанням читаються знаків. Одна з найбільш знаменитих картин Шварцмана - «Іература прориву» (1973-1975 рр., ГТГ) (илл. 495), де на нейтральному вохристих тлі представлена грунтовна складна ромбовидна структура. Вона багатоскладних, нагадує в той же час замкову щілину, і завдяки сріблясто-синьо-зеленому колориту здається, що більша частина її складових відлита з металу. У верхній частині композиції раптом відкривається сріблясто-біле «вікно» кудись у зовнішній світ, де великовагових «стримуючих» і «не пускають» структур вже немає.

Інший майстер метафізичного живопису - Володимир Вейсберг. Багато що в його творах виразно перегукується з творчістю Моранді. «Безмовне співбесіду» предметів стало головною темою робіт Вейсберга (илл. 496). «Натюрморти Вейсберга [...] формували автономну зону тиші, опозиційну щоденної політичної трансляції, ідеологічному шуму і мерехтіння, постійно тривожить обличчя реальності» [4] . У цьому сенсі символічно полотно «Ніяких звісток» (1965 р, приватне зібрання). На білому прямокутнику столу височить також білий паралелепіпед радіоприймача. Його динамік позначений квадратом - сліпим в своїй білизні. Шнур приймача висмикнуть з розетки і лежить тут же поруч, на столі, викрутившись неправильними незграбними кільцями. Ця картина - маніфест «вимкнений ™» оберігає себе свідомості з потоку метушливої ідеологізованою життя.

Дмитро Краснопевцев також виявився серед майстрів метафізичного напрямку. На думку деяких дослідників, він міг би виявитися близький майстрам поп-арту Рогінський і Чернишову, проте вважав за краще протилежний шлях. Близькі серцю поп-артистів предмети він укутує в сірі савани ( «Упаковані предмети», 1963 р приватне зібрання) (илл. 497) і відправляє у вічність, де вони каменеют, перетворюючись в ледь оформлені брили. Проте, предмети ніколи не переставали бути головним у творчості Краснопевцева. Сам він писав: «Існує, як відомо, і безпредметною мистецтво, але предметне для мене краще. Перш за все, через любов до предметів, які я коли-то багато малював з натури. Трикутник, круг, лінія, точка - це теж свого роду предмети, на них можна будувати гармонію, але мені особисто зручніше і зручніше оперувати предметним світом, оскільки через предмет легше висловлювати почуття, положення, думки. У моєму виборі предметів є якесь перевагу: не повинно "лізти" певний час, навіть географія - це мене абсолютно не цікавить » [5] . Отже, якщо для поп-артистів важливий предмет сучасний, то для Краснопевцева - позачасовий. Писати він вважає за краще гризайлью, тобто використовуючи тільки чорний і білий кольори, оскільки вважає, що активний, яскравий колір бере на себе занадто багато, відволікає від форми, а для майстра важлива конструктивність, архітектурне ™ будь-якого предмета. Може бути, тому, що архітектура - саме стримане і зосереджене з мистецтв. Ці властивості Краснопевцев переносить і в свої роботи. Майстер говорив, що «всюди дуже шумно, а моє прагнення - робити щось тихе» [6] . Звідси виникає його колористична стриманість, відчуженість від галасливого, яскравого різнобарв'я. При цьому художник заперечував, що, створюючи свої роботи, він думає про символах. Краснопевцев вважає, що символічне сприйняття знаходиться в оці глядача, а тому не підвладне художнику. Не варто «дробити» твір на символи, воно повинно сприйматися цілісно і відсилати до вічних проблем.

Ось прозорий посудина, до половини наповнений водою ( «Ваги», 1967 року, Музей актуального мистецтва ART4, Москва) (илл. 498). На дні цієї судини - камінчики і мушлі, навколо - також галька і раковини, великі і маленькі. Глядач перебирає їх поглядом, як міг би задумливо перебирати рукою, сидячи на морському березі. На посудині поперек горла лежить гілка, до неї з двох сторін на ниточці підвішені камінчики - маленькі «курячі божки» з дірочками. Це - крихка рівновага, рівновага мовчання і споглядання. Інший «Натюрморт з морськими зірками» (1960 р Музей актуального мистецтва ART4, Москва) (илл. 499) нагадує пізні декупаж Матісса. Зірки з червоними серединками кривляються і пританцьовують на тлі тісного для них сірого прямокутника, розміщеного в темному просторі. Їх танець створює різкий і красивий ритмічний малюнок.

Краснопевцев взагалі був прекрасним графіком. Він багато малював олівцем і тушшю, робив офорти-рембрандтескі (зауважимо, Рембрандтом він дуже захоплювався). Малюнки Краснопевцева - це все ті ж натюрморти: камені, корчі, глечики, цілі і розбиті. Іноді предмети розташовані в чіткому порядку, утворюють свого роду таблиці, лексикон форм. Це схоже на малюнки для якогось атласу, скажімо, для журналу археологічних розкопок. І тут також є відсилання до вічності, до тиші і спокою.

Якщо згадані художники відгороджувалися від радянської дійсності, все ж озираючись па неї, то були і майстри, які цієї дійсності в своїй творчості просто «не помічали», як би вона не впливала на їх людську долю. Таким був нонконформіст Анатолій Звєрєв (1931 - 1986 рр.). Свій нонконформізм він розумів набагато ширше протистояння радянської влади: він був просто майстром-одинаком, нонконформистом по відношенню до всього, що могло пов'язувати творчу волю. Ні в одне об'єднання андеграунду він не входив, проте за своєю манерою був найближче експресіонізму, причому, скоріше, початкового, - такого, яким він був у Е. Кирхнера і Е. Нольде. У той же час експресіонізм Звєрєва забарвлений в тонкі ліричні тони. Заняття мистецтвом майстер поєднав з літературною творчістю, писав вірші і створив твір під назвою «Трактат про живопис» - поему, присвячену мистецтву, а також дивно зворушливу автобіографію. У ній він пише і про свої погляди на творчість. Наведемо характерну цитату, коротко їх виражає: «Найбільш цікаві художники - зрозуміло, ті, які можуть більше за інших зупинити погляд на своїх полотнах і не втомлюють" непотрібністю "своїх" витівок ", як в техніці, так і в своїй тематиці» [7] .

Звєрєва захоплював анімалістичні жанр, а також портрет і пейзаж. Головним якістю його робіт можна вважати мальовничість. Він говорив про себе: «Я професіонал екстра-класу, але не ремісник» [8] , - і ніколи не відходив від листа або полотна в сторону об'єкта або інсталяції, головною своєю метою вважаючи дозвіл чисто художніх завдань. Так, з декількох мазків акварельного фарби з'являлася б'є копитом граціозна кінь, тінь від неї і дерево за нею; однією лінією олівця окреслювалося силует чаплі. Ось «Собака» (1965 р, Музей актуального мистецтва ART4, Москва) (илл. 500): її виразний профіль і незлобний оскал змальовані безліччю довгих і нервових мазків. Ось «Жіночий портрет» (1967 р, Музей актуального мистецтва ART4, Москва) - ніжне обличчя, що проступають в середині полотна як серцевина квітки в оточенні пелюсток. Дуже цікаві автопортрети Звєрєва (илл. 501), про які І. Макаревич писав: «Тільки в автопортретах Ван Гога, як мені здається, виявляється такий же наполегливий пошук сутності людини через пізнання самого себе» [9] .

Другом Звєрєва був інший художник і поет - Володимир Яковлєв (1934-1998 рр.) - фігура, як і Звєрєв, легендарна. Напівсліпий майстер, майже втратив зір в результаті нервового зриву, самотній і послед- ня вісім років життя провів в психоневрологічному інтернаті, Яковлєв, як і Звєрєв, являє собою приклад крайнього індивідуалізму як в житті, так і в мистецтві. Він пройшов захоплення багатьма «ізмами» XX ст .: реалізмом, ташизм, пуантилізм, імпресіонізмом, абстракціонізмом. Але потім виробив свій стиль, найкраще співвідноситься з експресіонізмом. Його «провідні сюжети - риби, вітрильні човни, пейзажі, нещадні пророчі портрети і автопортрети, і перш за все - квіти (илл. 502). Чи не зустрічаються в природі, тендітні і потужні, сонячні і трагічні, вони завжди космічність і пройняті "інтимним магічним ліризмом" » [10] .

Ось два рожевих квітки в кришталевому бокалі на тлі нічного пейзажу (початок 1960-х рр., Приватне зібрання). Вони розпускаються з синяви прямо на глядача; в оточенні більш світлих пелюсток палають темно-рожеві серединки. Ця робота - уособлення витонченості з ухилом в естетику епохи модерну. Поєднання синього, чорного, рожевого і сірого (кришталь келиха, стебло) відтворюють холодно-містичну атмосферу нічного цвітіння. Настільки ж продумана і асиметрична композиція із зсувом вліво і нахилом вищого квітки вправо, за рахунок чого досягається рівновага і відкривається великий фрагмент темного і глибокого фону, що затягує углиб погляд глядача. «Кішка з птицею» - композиція, багато разів повторена майстром і відсилає до примітивізму, фовізму і експресіонізму.

Мистецтво Яковлєва, так само, як мистецтво Звєрєва, - одночасно досвідчені і наївне. Досвідчені знанням численних течій XX ст., Кожне з яких проголошувало себе основним і головним, новою ерою, новою мовою прийдешніх століть, але все ж залишалося одним з багатьох. Наївне, оскільки це мистецтво постає безпосереднім і незамутненим складними теоріями сприйняттям життя.

  • [1] Дьоготь Є. Ю. Указ. соч. С. 163.
  • [2] URL: www.trifonovl975.narod.ru/paintcrs/shwarcman.html (дата звернення: 09.07.2017).
  • [3] URL: http://art-critic-kuskov.com/czhvarzman.html (дата звернення: 22.06.2017).
  • [4] Андрєєва Е. В. Указ. соч. С. 177.
  • [5] Див .: Тевосян Р. Картина сама каже: з бесід з художником Дмитром Краснопсв-цевим. URL: http://www.naslcdic-rus.ru/podshivka/7416.php (дата звернення: 22.06.2017).
  • [6] Див .: Там же.
  • [7] URL: http://anatolyzvcrcv.narod.ru/ (дата звернення: 22.06.2017).
  • [8] Там же.
  • [9] URL: http://anatolyzverev.narod.ru/ (дата звернення: 22.06.2017).
  • [10] URL: http://artru.info/ar/15560/ (дата звернення: 09.07.2017).
 
<<   ЗМІСТ   >>